与 Hey Reilly 探讨数码图像中的幽默艺术

Barack Obama 走起了 BALENCIAGA 大秀？还让英国女王穿上 Viktor＆Rolf 高定？不仅 FENDI 和 FILA 的商标合并在一起，连伏地魔都成了 LOUIS VITTON 代言人？这些在现实世界断不会发生的情形被艺术家 Hey Reilly 呈现在了他的 Instagram 平台之上。

在过去，说起与时尚相关的图像，我们大都只会想到设计师打造的梦幻秀场、奢品潮牌的精致型录，以及各式风格的街头抓拍。 但如今，Hey Reilly 这样的艺术家告诉我们平面设计之于时尚有了一种新的趣味。

幽默＋时尚＋艺术 = Hey Reilly

将 “幽默” 融进艺术作品是聪明地 “挑战禁忌” 的方式。从佛罗伦萨画派的画家到 YBA（成名于上世纪末的英国艺术家群体），艺术家们通过该方式传达对社会讽刺批评的传统已延续了几个世纪。

今时今日，艺术家们则开始通过取材流行文化来制作一些有趣的作品，并通过这些有煽动力的艺术品对我们生活的世界产生影响。Hey Reilly 正是这类艺术家中极为出挑的一位。这位来自英国的平面艺术家和插画师。毕业于 RCA（英国皇家设计学院），凭借着令人眼花缭乱的拼贴设计，为自己创造了一个将流行文化、时尚和艺术相混合的世界。

这位风靡 Instagram 的艺术家也一直与时尚界的各大品牌有着频繁的合作。这其中包括了 GUCCI、Nike、Marc Jacobs、Moncler，甚至都有那么些数不胜数。这其中最具代表性的或许是与老牌时装屋 FENDI 在 2018-2019 秋冬系列的合作。秀场上男模头上附有松紧带的伞帽，以及衣饰上各种拼贴图案，在当季成功替 FENDI 吸足众人目光。而这便要归功于 Hey Reilly 精妙的将拼贴手法和数位混搭艺术作品融入的协同效应。

Hey Reilly 的作品有时会参照艺术史中的经典作品，有时会添加进品牌语义的理解与讽刺意味的文化，加之手绘渲染，便可使数码图像呈现出抢眼的视觉效果，并将各类新旧元素融合激荡出了绚烂的花火。正是这样的特点使他获得了粉丝的喜爱和品牌的垂青。

 

Instagram 是数码时代的 “艺术品经销商”

Hey Reilly 的另一个独特之处是他 “Instagram 艺术家” 的身份。要知道 Instagram 作为社交媒体平台正在成为世界上最大的视觉平台。众多艺术爱好者们通过浏览世界各地艺术家们的社交平台，欣赏最先锋的创意作品。“艺术 + Instagram” 产生了特殊的化学反应，其所提供的内容正好似一个小型的在线展览。

功能强大的互联网平台为艺术作品增加曝光率，让艺术家在宣传作品时有更大的灵活性，让不得不争取艺术策展人注意的日子一去不返。增加的曝光率为艺术家带来更多艺术品销售的可能性和迅速成名的机会，也让艺术家与艺术爱好者们能够无障碍进行交流。显然，这一切在 Hey Reilly 身上都起了作用。而他本人就是社交网络对艺术世界带来新变化的 “力证”。

尽管 Hey Reilly 在这一领域的名气越来越大，但他仍然保持着 “匿名”的做派，这使他的个人生活远离他的社交媒体名人身份。幸运的是，我们近日联络到了这位有趣的艺术家，与他相约一起聊了聊他那些平面艺术作品的创作过程、当代流行文化的迷人之处，以及他对 Instagram 作为工作空间的看法。

 

Hey Reilly

平面艺术家

「 “幽默” 之于艺术的作用一直被低估了」

你擅长以解构再重新拼贴的方式创作作品，比如 FAKENEWS 项目中将快餐品牌的 Logo 和奢侈品牌结合，你如何想到这样的创意？你想传达的艺术理念是什么？

起初是因为我对 Roland Barthes（法国文学家、哲学家，及符号学家）的理论产生了兴趣，他认为品牌和徽标实际上是 “传达特殊信息的非语言符号系统”。 所以我便产生了 FAKENEWS 项目的想法，这实际上更类似于一种实验。我想看看将这些品牌 Logo 分离于原本的品牌并与其他品牌相混合后，它们是否仍然能够传达原有的身份信息，或者说，以一种打破传统的方式使用非语言符号系统去运用他们的 Logo 会产生什么效果？

FAKENEWS 项目在 Instagram 上发布后获得了很大的反响，我觉得这是因为这类图像很贴近大家的真实生活。这实际上也挺符合我喜欢的另一个 Marshall McLuhan（加拿大哲学家、现代传播理论的奠基者，其著作《理解媒介》斐声学界） 的理论： “媒介即是信息”。

你的作品有时会涉及到时下热门品牌，为此你曾遇到过版权方面的问题吗，你如何处理这类麻烦？

我在 Instagram 上分享的那些作品都属于 “合理使用版权” 的概念范围，尤其是那些在原有图像的基础上添加新信息的形式创作出的作品。此外，对于那些知名品牌的合作作品，我会预先确认好版权方面的事情，避免产生任何后续问题。比如，在 “FENDI / FILA” 混搭的创作中，这两个品牌都允许我进行这项创意工作。而通过这种方式，我重新创作的作品也可以作为他们两个品牌自己品牌图像的一部分使用，并受版权保护。

为什么会对 “将流行文化、时尚和艺术融合的数字化图像” 产生兴趣？你的设计流程通常是怎样的?

我觉得是因为天生的兴趣和后天在艺术领域的训练使我开始创作的吧。我其实总会考虑如何创作平面艺术作品这件事。我也非常喜欢数码拼贴这种即时性的工作。此外，我密切关注着时尚和流行文化。最后 Instagram 给了我一群粉丝和便捷结识到新客户的方式。一切便水到渠成了。

至于设计流程，如果我脑海中产生了一个灵感的火花，我会迅速把它做出来，看看是否像我想象中的一样。把握住这种即时性灵感是关键，能够简单化地去迅速执行出来也是关键，这些都有助于我保持积极的创作状态。当我和我的团队对创作出来的作品感到满意，我会很迅速的将它发布出去，让全世界看到它。我不认为有过度去保护创意的必要，在这个快节奏的时代，我希望让我的作品被更多人看到。

你独特的风格在一定程度上反映了流行文化，那么流行文化让你着迷之处在哪里？

我喜欢将已被赋予流行文化意义的图像作为基础素材，以它们为基础进行创作。分解原始图像、打碎、混合，这个过程某种程度上有点像音乐上的remix，其结果是希望添加进令人意想不到的新成分、有趣的或轻微讽刺性的。

我想我的作品很适用于发布在 Instagram 这样的平台。我也乐于看到关注我的粉丝能够对这些图片所蕴含的意义产生共鸣。我和他们可以在 Instagram 上相互交流、交换想法，有着相互依赖的关系。我很喜欢这种相互作用。对我而言，这就是流行文化所呈现的最有趣，最新鲜的部分。

我们是否可以理解成，你将幽默、讽刺融入平面艺术的方式是在挑战禁忌，并揭示一些社会层面的现象？

融入 “幽默” 是我进行图片素材重新创作的方式之一，它非常适合发布在 Instagram 这样采用滑动浏览方式的即时性平台。虽然它并不是进行平面艺术创作的唯一表达方法，但我认为 “幽默” 之于艺术的作用一直被低估了。

我倒并没有刻意通过我的创作去挑战禁忌。就像我所说的，我的作品正好符合 Marshall McLuhan 的理论： “媒介即是信息”。图像的力量不仅仅在于其表面呈现的效果，为图像添加新的信息后，这些新图像本身就是承载着信息的媒介。

现在已经有很多艺术家在创作与你风格相似的 Fashion meme，和他们相比，你认为自己能从中出挑的原因是什么？

我没怎么关注过那些被认为与我风格类似的作品。但我认为如果他们的作品缺乏原创性那肯定是不会奏效的。至于如何与他人区别开来，我想只要做好我自己想做的事情就好了。我的原创性来自于我的实验性，以及我对自己所痴迷一切的信仰。

Fashion memes、拼贴设计这类作品其实很容易被其它人复制模仿，你是否担心这方面的问题？

可能这类风格的平面设计师都是在创造一种新的图像语言。我倒是觉得有越来越多的人设计这类图像没什么不好的。任何人都可以做这类型的工作，这类艺术领域也永远都会有空间留给好的作品和优秀的艺术家。

Instagram 似乎正在成为世界上最大的视觉平台。有代替画廊，成为艺术爱好者更便捷欣赏艺术作品的媒介，对此你怎么看？你是否认为互联网文化会对未来的艺术创作会产生更大影响？

从艺术鉴赏的角度来看，我倒并不认为 Instagram 是足以与画廊竞争的存在。现实世界仍然是最真实的，在画廊欣赏艺术作品会有最佳体验。我有些时候也会思考艺术作品在 Instagram 上展示的效果，Instagram 有它的长处，但我想艺术还是需要真实的体验。

另一方面，我认为网络文化是区别于现实世界的一个独特的文化领域。它是人类最新新颖、疯狂的创造。它使文化可以跨越很多明显的边界，自由便捷地分享，这很令人兴奋。

现在有很多新晋艺术家正在通过互联网平台推广自己作品，你对他们有什么建议吗？

Find your obsession.

 

数字革命正在塑造我们的感知，并推动着新事物的产生。像 Hey Reilly 这样的平面艺术家们加入了这个数码领域，将艺术与流行文化融合在一起，推动并拓展着时尚界的边界。

可那怕你对艺术、时尚边界和学术理论都提不起兴致，正如 Hey Reilly 所说： “我们的生活里已有太多商业上、政治上的压力，所有人都希望可以短暂逃离现实，而我的作品只要能让你们透过屏幕笑上 10 秒钟那就很好”。